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阿根廷吉他演奏家 作曲家 何塞.路易斯.梅林（资料图）
“This is an homage to memories, my memories. To the collective memories of my people living in nostalgia, tormented, anguished, happy and hopeful. Memories from the country, in San Luis, with all the smells and sounds from the country. It is like looking inside yourself in very profound silence. Memories of afternoons with grandparents, aunts and uncles, parents, brothers, sisters, cousins. All enjoying each other, sharing our feelings and playing guitar., sitting in the back yard drinking wine, under the vines. Lots of them are not here anymore. They are in my memories.”
— Jose Luis Merlin
回忆组曲——第1乐章 《Evocation》
Luis Merlin是个阿根廷的吉他音乐家，出生于1956年。这个曲子的写作背景不是很明确，至少我没有查到太多内容，但可以从一些蛛丝马迹上看出。
上面这段话是作曲家对于该曲的一个注释。明显地带有浓郁的乡愁色彩，虽然这不是一个Nostalgia的乡愁曲。另外，应该注意到乐谱的标题上面，有个副标题：“A Atahualpa Yupanqui” 题献给Atahualpa Yupanqui；Atahualpa Yupanqui生于1908年，是阿根廷著名的音乐家、诗人、作曲家、吉他家。他写过相当多的阿根廷民族音乐为体裁的歌曲（例如Zamba）。这位伟大的艺术家卒于1992年（这让我想到另一位我非常喜爱的阿根廷音乐大家——Astor Piazzolla，他也是1992年去世）。因此推断该曲是作曲家90年代的作品。而且乐曲的6个乐章，除了第6乐章的《Joropo》以外（但也是南美民族音乐），其他5个乐章都明显是阿根廷民族音乐体裁。这决定了演奏该曲的一个大的概念：以第1乐章的音乐主题作为动机，然后以各种民族性特征强烈的舞曲作为体裁加以发展。比较有意思的是第5乐章是第1乐章的主题的再现，让人很能感到其“回忆”之意。加上与之前的Carnavalito这样热烈的音效作为对比，使得该主题得到很好的强化和升华。虽然在音乐深度上并没有太多可以挖掘的东西，但必须承认，这是一首舞台效果相当好的音乐会曲目。
这个《Evocation》的调性的e小调的。这个调性基本决定了这个乐章的个性和色彩，同时因为这个乐章是主题，因此，也决定了整个曲子的色彩和基调（第6乐章JOROPO是个意外）。
e小调本身是个浪漫的小调。请注意浪漫的意义（Romantic）。在欧洲艺术中，浪漫并不止于我们很多人以为的情爱的浪漫的意思。一些比较个人主义的、英雄主义的、特别的强调自我和个性的色彩鲜明的史诗的有一定气节的总和，都可以称为浪漫。 对ROMANTIC的明确理解在很大意义上决定了对浪漫时期作品以及很多浪漫曲的理解深度。
EVOCATION的浪漫色彩很明显是通过吉他上E小调天然的共鸣效果以及在该曲中常常出现的属和弦以及七和弦产生的张力制造的。因此在演奏这些和声时，以琶音代替柱式和弦的效果明显比较好，当然，过分分离的琶音太做作了。至少我不喜欢。
值得注意的是一些关键和声的基音。如果练习的时候可以把低音单独弹一遍的话，会感觉到低音的走向，而这往往是跟反向走势的高音形成音乐张力的重要，所以演奏时，尽可能保留低音，并让旋律在走向时有明显的强弱趋势，可以让张力效果更明显。
分句很显然的应该做呼吸。呼吸的结尾往往比较重要，是在低音上的，所以控制右手拇指的拨弦音色，音头的深度，以及左手保留甚至揉弦 决定了控制听众情绪的关键。而且，旋律线上也可以适当地找到一些着重音，着重的方法有很多：将这个音稍微延长、将这个音的音量改变、将这个音的音色改变、在该音上适当揉弦。而且在反复的时候，可以变换着重音的位置，这样使两遍相同的音乐呈现不同的美感，使音乐产生更多的趣味；相比之下，两遍音乐都弹得一模一样就相对无聊得多，至少在浪漫派音乐里，这样做不怎么浪漫。
段落结束时总是比较传统地从属和弦回到主和弦的干净解决。顺便提一提我的音乐观：张力解决的地方很多时候不要用大的音量，而尽可能使用中等甚至偏弱音量，干净的解决。这样得到的音乐品味更优雅。
张力和释放对于音乐的关系就好像给你喝了很多啤酒，然后膀胱压最大。这就是音乐张力，基于一种生物上的需求，人希望解决这种张力（膀胱压？），所以当一泡尿撒出去的时候，无比畅快。这种先造成不爽，然后解决不爽的感觉对比，造成人的愉悦感受。音乐上，往往制造这种不爽的可能是一些“不怎么和谐”的音或者和声，而解决的方法就是让人在希望听到和谐音的时候，奏出最和谐的声音。可见音乐的美和魅力是源自一种感觉的对比。实际上，有时音乐简直就是在作弄人：制造很多张力，让你呼吸加快；然后再让你回到最舒服的状态，经过这样一折腾，音乐的效果自然显现。相反，如果尽是非常和谐的和声在那里翻来覆去，那可能反而使人觉得索然无味。因此，一些善于把握观众情绪的演奏家，往往在适当的地方，制造很强的张力，并在该释放的时候，稍微等一下，最后让你最想听到的那组音出现，就好象大势所趋一样。呵呵。扯远了。
阿根廷吉他演奏家 作曲家 何塞.路易斯.梅林（资料图）
何塞.路易斯.梅林，1952年生于阿根廷的布谊诺斯艾利斯，是阿根廷享誉盛名的吉他演奏家和作曲家，５岁即开始学习吉他，很早便开始吉他演奏、作曲、教学。后移居吉他之乡西班牙发展吉他事业。
梅林《回忆组曲》赏析
《回忆组曲》是带有浓郁乡愁色彩的音乐。此曲题献给阿根廷著名音乐家、诗人、词曲作家、吉他家雅特胡帕.约潘琴（Atahualpa Yupanqui),这也是作者改编约潘琴众多作品中最具代表性的一个吉他作品。全曲共6个乐章，各个乐章分别使用了阿根廷及南美地区各种民族音乐体裁，表现了作者对南美洲故乡生活的思念。
第一乐章：祈祷（Evocation）是全曲主题，该曲融合了浪漫曲和阿根廷传统音乐美隆加（Milonga）的风格，演奏时注意将高音和低音的两条旋律线突出，形成呼应和对比。
（古典乐派是继巴洛克音乐之后，1750-1820年，即18-19世纪初以古典风格为特点的音乐。其中包括“曼海姆乐派”、“柏林乐派”、“早期维也纳乐派”、“盛期维也纳乐派”，通常所说古典乐派是指奥地利作曲家海顿（1732-1809）、莫扎特（1756-1791）、德国作曲家贝多芬（1770-1827）维也纳古典乐派。其主要特征：推崇理性，追求艺术形式的严谨和音乐语言的清晰简明，继承传统主调音乐因素，在音乐艺术的审美标准上，吸取了古希腊、罗马对作品的规范和和谐统一整齐。浪漫派音乐主要特征：突出抒情性，不被陈旧固有形式所束缚，重自传性和个人心里刻划。如浪漫派奠基人舒伯特、门德尔松、舒曼等。美隆加Milonga是探戈音乐的原型之一。）
第二乐章：赞巴舞曲（Zamba）是主题祈祷的发展，该舞曲原是阿根廷山区的一种原始的手帕舞演变而来，演奏时应注意将其切分节奏的律动与旋律做出对比。
第三乐章：恰卡瑞拉舞曲（Chacarera）也是阿根廷最典型的民族音乐之一，演奏三度双音旋律时，将弹奏的手指并拢以便发力统一，同时注意拇指要弹出该曲的节奏律动的重点在的77、78、79小节处的3个低音。
第四乐章：节日舞曲（Carnavallito）是阿根廷典型的节日狂欢舞曲，注意右手a.m.i三指的分解和弦与拇指的旋律分开重点练习。扫弦时注意手指与弦的角度，使得触弦尽量在六根弦上得到平衡。
第六乐章：霍洛波舞曲（Joropo）是起源于委瑞内拉的节日舞曲，该曲是整个曲子的终章，节奏鲜明，同时融合了多种音乐元素，练习时应将代表各个音乐元素的章节分开练习。
